Comprender que el Arte Abstracto no lo ha hecho un niño de 5 años

En ocasiones el  arte abstracto suele producir sentimientos de rechazo, incluso me atrevería decir que a muchos hasta les provoca pavor… Su compleja comprensión y el aura de esnobismo que a veces lo rodea, hace que para algunas personas sea un compromiso acudir a un museo.

Sin embargo, ¡qué bien queda decir que ocupamos nuestro tiempo libre en visitar galerías y exposiciones! O, ¿cuántas veces ha sido el plan elegido para una primera cita? Así que aceptamos la propuesta  y de repente, nos encontramos acudiendo a esa exposición que aparece en la guía del ocio de nuestra ciudad y de la que “todo el mundo habla”.

 

Conducta habitual durante una visita a una exposición sobre arte abstracto

Comenzamos el recorrido siguiendo la dirección de las flechas (que probablemente también consideramos tenga un porqué oculto…).

Caminamos y nos topamos con el primer cuadro. Lo miramos e intentamos recordar las clases de Historia del Arte del instituto con la idea de catalogarlo dentro de algún movimiento… Imposible… Seguimos observando, ahora centrándonos en los colores, las supuestas formas, texturas… Tampoco se nos ocurre nada.

Finalmente, nos acercamos a mirar la etiqueta que está a su lado con el deseo de que el título o los materiales utilizados  nos ayuden a entender algo de lo que tenemos delante y podamos pronunciar alguna palabra al respecto. Pero, tampoco lo conseguimos… Así que, miramos a nuestro acompañante con cara de circunstancia,  evitando mantener la mirada y con la boca un poquito cerrada, le soltamos: “¡Qué maravilla de Pollock!”

Jackson Pollock (1946)

Eyes in the heat

Comprender el arte abstracto sin ser un experto

Efectivamente, no es necesario ningún tipo de estudio, ni artístico, ni filosófico, ni histórico. Ayuda, pero no es imprescindible. Hablamos de disfrutar y no de realizar una tesis doctoral. Por lo que no hablamos de conocimientos, si no de actitud.

Actitud para disfrutar el arte abstracto

Debemos aceptar que el principio fundamental del arte abstracto son los sentimientos del propio artista. Y es aquí donde está la clave. Lo esencial no es la belleza, no es la armonía. No siempre plasma la realidad, ni sus líneas o formas tienen algún sentido ni explicación racional. Ni sus materiales o técnicas suelen formar parte de ningún decálogo.

El arte abstracto muestra los sentimientos individuales y personales de un ser humano, que en este caso, es el autor de la obra. Y como humano antes que artista, es igual de complejo que cualquier individuo que haya pisado, esté pisando o vaya la pisar la tierra.

El Arte Abstracto nace como una necesidad de expresión

No podemos datar su nacimiento en fecha concreta. Los libros de Historia hablan de 1910 como punto de referencia y etapa  en la que concurren distintas vanguardias artísticas que ponen patas arriba  las técnicas y normas que regían el arte figurativo de los siglos anteriores. Esta confrontación es el principio fundamental del arte abstracto.

La abstracción no se puede resumirse ni simplificar en un movimiento único. Es una tendencia que empieza a perfilarse a finales del siglo XIX con movimientos tales como el Fauvismo, el Expresionismo o el Cubismo; y artistas como Gauguin, Van Gogh y Cézanne.

Paul Gauguin (1891)

Paisaje de Tahití

Vincent van Gogh (1890)

Trigal con cuervos

Paul Cézanne (1905)

Mont Sainte-Victoire

Sin embargo, la elección de esta fecha (1910)  puede deberse a la publicación de uno de los textos más famosos del pintor ruso Wassily Kandinsky, considerado el precursor del arte abstracto: De la espiritualidad en el arte. 

Ensayo que deja claro que el arte abstracto no se rige por ninguna técnica ni regla, sino por la propia libertad del artista. Además  aparecen algunas de las directrices principales que más tarde definieron muchas de las obras que agrupamos dentro de esta disciplina:

  • Rechazo hacia el  arte figurativo y por tanto de las formas y colores de la realidad.
  • Plantea un nuevo lenguaje plástico basado en los aspectos cromáticos, estructurales y de textura de los objetos.
  • Expresa sentimientos: alegría, tristeza, miedo, emoción, preocupación, esperanza etc.

Wassily Kandinsky (1913)

Composition VII

Contexto histórico del arte abstracto

Surge en un un momento de plena ebullición. Y el hombre, a pesar de su inteligencia, a veces no consigue entender cosas tan simples y tan horribles como son el individualismo, las guerras, la soledad, etc. El siglo XX se define como un momento para la humanidad lleno de avances, desarrollo y prisas. La revolución industrial, el dinero y el capitalismo como moneda de cambio y herramienta de estructuración social…, las guerras mundiales, la revolución rusa, la perdida de espiritualidad en el hombre…

Estos acontecimientos provocaron anhelos de superioridad, nuevos deseos y vértigo ante lo desconocido en una mayoría social que no se había preocupado mucho más allá de comer, crear una familia, contemplar, divertirse, etc.

De repente hay nuevos sentimientos y se sabe que vendrán más. Los artistas, desconcertados, quieren plasmar el caos reinante, la expectación hacia el futuro. Quieren representar esas grandes máquinas que hacen que vayamos de un sitio a otro de manera fugaz, quieren reflejar eso que esconde, según las teorías de Freud, el subconsciente de nuestra mente. Y quieren hacerlo como les de la gana, así de claro. El artista siente miedo y a la vez una inmensa libertad a la hora de pensar en  la vida, en su obra y en cómo ejecutarla.

Vertientes del arte abstracto

Bajo estos tímidos y a la vez sólidos principios surgen dos vertientes principales dentro de este nuevo y rompedor concepto de arte: La abstracción lírica y la abstracción geométrica.

La abstracción lírica

Utiliza un lenguaje que se basa  en la función expresiva y simbólica de los colores para expresar los sentimientos del artista y provocar reacciones en los espectadores.

Robert Delaunay

Portuguesa (1916)

La abstracción geométrica

Basada en las leyes de la geometría y en las matemáticas. Busca simplificar las formas reales a su presentación más elemental y genérica.

Piet Mondrian (1930)

Composición II en Rojo, Amarillo y Azul.

La imaginación y la sinestesia son la clave para entender al arte abstracto

Así que, al igual que para entender al otro tenemos que liberar nuestra mente de prejuicios, intentar empatizar y,  sobre todo, echar mano de nuestra imaginación. Para comprender el arte abstracto también tenemos que echar mano de estas herramientas.

¿Cómo describir qué se siente cuando estamos enamorados? ¿Cómo explicar a alguien esa angustia que no nos deja dormir? ¿Cómo hacer entender que nos sentimos plenos de satisfacción?

Veamos el arte abstracto a través de la imaginación y la sinestesia

Intentamos recordar algún atardecer que hayamos vivido. Ese instante en el que miramos al cielo y de repente sus colores degradados nos otorgan una imagen realmente bella. Ensimismados nos quedamos mirando al infinito y sin saber porqué, nos invade una sensación de plenitud, éxtasis y alegría. Ahí, en ese mirador, en esa playa, tirados en el parque de una ciudad, mirando por la ventana de nuestra habitación…nos sentimos realmente felices.Termina el día, pronto empezará otro… Ser conscientes del movimiento, del paso del tiempo, de que avanzamos, de que evolucionamos…

Ahora observamos este cuadro de Mark Rothko. ¿No nos recuerda a la foto del atardecer que tenemos más abajo?

Mark Rothko (1961) 

Naranja, Rojo y Amarillo

 

 

Mark Rothko pintó este cuadro en pleno apogeo artístico , época en la que su objetivo era plasmar los sentimientos universales: éxtasis, tristeza, decadencia, esperanza, etc. Él mismo explicó su obra: “mi arte es abstracto, vive y respira”. Una frase que hace alusión a otro de los principios del arte abstracto: dejar que sea el espectador quien otorgue valor a la obra.

Imaginemos ahora un día lluvioso, uno de esos días en los que nos invade la melancolía y estamos más introspectivos de lo normal. Nos quedamos en casa, arropados, en silencio y las horas pasan mientras  vemos películas, devoramos libros, o…

A continuación miramos el cuadro de Rothko Sin título (azul, verde, marrón) (1951)  y la foto que aparece más abajo, ¿no parecen reflejar lo mismo?

Mark Rothko (1951) 

Sin título (azul, verde, marrón)

Hablamos ahora de Paul Klee conocido por la recreación de mundos imaginarios en los que conviven la abstracción y las alusiones figurativas, famoso por el uso de la acuarela y por el empleo de cuadrículas en sus composiciones. Un método que le servía para descomponer el color y las formas naturales en unidades más pequeñas, como si fuesen notas musicales.

Pensemos, por un momento, que estamos subidos a un avión que empieza a aterrizar y empezamos a ver un bonito paisaje desde lo alto. ¿La imagen que se nos viene a la cabeza puede recordarnos a este cuadro de Klee?

Paul Klee (1925) 

Sonido Antiguo, Abstracto en Negro

Este artista es un reconocido enamorado de la ciudad de Tunez que representó en multitud de ocasiones la efervescencia , los olores y los colores de la ciudad marroquí.

Paul Klee (1928) 

Castillo y Sol

Pasemos a Kasimir  Malévitch, representante del Suprematismo, una de las principales corrientes que defiende la abstracción geométrica. Para él las figuras geométricas representan la perfección y son reflejo de la sensibilidad más pura. Utiliza figuras, según él, “absolutas” como el cuadrado, el triangulo y el círculo.

Aquí vemos  una comparación entre dos obras suyas, donde se ve la simplificación que el autor hace de las formas y de cómo  trasforma la realidad en elementos geométricos.

La  imagen de la izquierda es Campesina con cubos y niño y la de la derecha Descomposición dinámica de campesina con niño.  Ambas de 1912.

Más ejemplos de arte abstracto 

Marcel Duchamps: obsesionado con los conceptos de rapidez, fugacidad, caducidad… Su obra Desnudo bajando una escalera muestra el tema del movimiento a través de unas formas que rememoran al Cubismo y el Futurismo. Sus líneas rectas, curvas y volúmenes nos trasladan a una escena de movimiento y de velocidad.

Marcel Duchamp (1912)

Desnudo bajando las escaleras 

Continuamos con Jackson Pollock. ¿Cuántas veces hemos dicho que este señor chorreaba pintura o que limpiaba los pinceles en sus lienzos?

En los cuadros de Pollock también podemos encontrar una explicación: el artista bautizó su método de trabajo como “Pintura en acción”. Una acción que inevitablemente viene unida con el concepto de inmediatez.

Su objetivo no era plasmar objetos sino el movimiento de su cuerpo al pintar. Pollock mojaba pinceles y palos, bailaba y se contorsionaba encima de un lienzo o mural que colocaba de manera horizontal en el suelo.

La agilidad, la rapidez, la altitud, el estado de ánimo del artista, los materiales que componían la pintura, la cantidad que “chorreaba o goteaba” son factores determinantes para que la pintura adquiera una forma u otra.

Ritmo de Otoño (1950) 

Tras observar la imagen anterior, pensemos en un pequeño nido que encontramos encima de un árbol. Observamos las pequeñas ramitas que lo componen, sus variados colores, sus distintos grosores, etc. ¿No nos recuerda a la pintura de arriba? Si podemos disfrutar de la belleza de ver un nido, también podemos  disfrutar de la expresividad de Pollock.

 

Variantes del Arte Abstracto

El poder de la imaginación es infinito, no tiene límites. De ahí que desde que se denominó al arte abstracto como tal, hayan surgido multitud de nuevas vertientes y variantes: suprematismo, neoplasticismo, constructivismo, rayonismo, orfismo, concretismo, action painting, informalismo, abstracción postpictórica, op-art, minimalismo, neo-geo… que junto a otros autores (Wassily Kandinsky, Piet Mondrian…) iremos analizando en las próximas entradas.

Como hemos visto, ejercitando la imaginación,dejándonos llevar, sintiendo, olvidando lo aprendido podrán germinar nuevos conocimientos. Descubriremos aquello que la realidad esconde. La belleza oculta que sólo con el poder de la mente y de la imaginación podemos encontrar. Esa es la verdadera magia del arte abstracto, una herramienta extraordinaria para disfrutar la vida…

 

 

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