Obras que están en un museo y no sabes el porqué (Parte 1)

Nunca nadie ha sido capaz de definir lo que es arte o lo que no lo es.. ¿Es diseño?¿Es decoración? ¿Es una estupidez?

En este post tampoco vais a encontrar las respuestas que os sacien estos interrogantes, pero si que vamos a ver algunos de los aspectos que han hecho que algunas de las obras más polémicas y cuestionadas de la historia, estén en un museo, hayan sido veneradas o subastadas a un precio desorbitado.

Por supuesto, no tenéis que estar de acuerdo en los motivos que vamos a nombrar,  ni, por supuesto, os tienen que empezar a gustar… Es la mejor faceta del arte: “Para gustos, colores…” 

Según la segunda acepción de la RAE  el Arte es: “Manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”.

¿No os llama la atención que en ningún momento hable de la condición estética o de belleza? A mi, si…

Así que seguí leyendo los distintos significados que la Real Academía Española da a esta palabra, y tan sólo en las expresiones “Arte por el arte”  y “Bellas Artes”, aparece la palabra “belleza”.

Bellas Artes: “Conjunto de las que tienen por objeto expresar la belleza, y especialmente la pintura, la escultura y la música. Academia de Bellas Artes.”

Arte por el arte: “Arte como pura manifestación de la belleza en sí misma” 

Pues bien, se puede entender entonces que la estética no es lo único que define al confuso concepto de “Arte”.  Y bajo esta premisa podemos llegar a la conclusión de que el arte puede ser feo, poco estético y desagradable.

Ejemplos artísticos en los que no prima la belleza:

La fuente de Marcel Duchamp (1917)

Urinario masculino colocado al revés ( Marcel Duchamp 1917)

El autor la presentó como posible candidata a participar en una muestra que la “Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York” organizó en 1917  y de la cual formaba parte. La obra, inscrita bajo el seudónimo de “R.Mutt”, fue rechazada y finalmente no se  expuso.

La obra original se perdió y sólo quedan testimonios de su existencia  gracias a  varias fotografías que realizó Alfred Stieglitz. En la década de los 60 se hicieron, a través de encargo, y gracias a las antiguas fotografías, 15 réplicas de la original, que actualmente se encuentran en varios museos.

Apuntes biográficos sobre Marcel Duchamp.

Su espíritu inquieto le llevó a experimentar con el Impresionismo, el Postimpresionismo, El Fauvismo, el Cubismo, el Futurismo..; además de ser considerado uno de los máximos representantes del Dadaísmo.

Utilizó la “Provocación”, como su máxima herramienta artística. Hostigamiento que a menudo conseguía al descontextualizar objetos comunes y dotarlos de un nuevo significado.

Con esta idea, creo las denominadas “Ready Made”: Utilizar objetos “no artísticos” y convertirlos en obras de arte. Muchas veces con el simple gesto de colocarlos en un museo o galería. De esta manera, los privaba de su faceta funcional y los convertía en inútiles.

Disciplina que Duchamp creó y desarrolló como protesta hacia el  arte convencional, al que consideraba inútil. Una crítica, cuyo máximo principio era  cuestionar los estatutos artísticos relacionados con el concepto de belleza al lanzar el interrogante: “¿Quién decide lo que es bello?”, dando a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga valor o no,  es la percepción.

Valor de “La fuente” de Marcel Duchamp. El valor de la Percepción individual. 

Así que esta “fuente” puede ser considerada un objeto bellísimo si los espectadores ya están alineados por la sociedad para pensar que todo objeto que está en un museo es, en parte, por su condición estética.

De esta manera, señalados por este valor,  y de forma inconsciente, verán si o sí la fuente de Duchamp como algo realmente hermoso.

Y aquí es donde está está el valor de la “Fuente” de Marcel Duchamp. En haber lanzado al mundo, en un momento en el que no quedaba tan bien como ahora, el cuestionar nada, esa pregunta que todos nos hemos hecho  una vez en la vida  “¿Por qué está esto colgado aquí? ¿ Por qué vale tanto este cuadro? ¿Pero de verdad qué esto es arte?”…

La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo de Damien Hirts (1991)

Tiburón suspendido en estanque transparente sumergido en aldehído fórnico.

Su autor es Damien Hirst . Nació en Bristol  y estudió bellas artes en Goldsmith mientras trabajaba en un depósito de cadáveres. Experiencia que ha utilizado en numerosa de sus obras.

“La Imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo”, fue una de las primeras obras expuesta por la Galería de Arte  londinense Saatchi, durante el año 1992. Momento en el que decidió fomentar el arte emergente y lanzar a varios jóvenes artistas británicos, que apostaban por la controversia como valor de sus obras. Hecho que dio lugar al conocido como Colectivo  “Young British Artist”, más conocido como (YBAs)

Tuvo un precio de 9,5 millones. Cantidad que pagó el millonario estadounidense, Steve Cohen.

El tiburón tuvo que ser repuesto, ya que a los pocos años empezó a descomponerse.

Apuntes biográficos sobre Damien Hirts.

Desde finales de 1980, trabaja  en numerosas disciplinas: escultura, pintura y dibujo.

Sus primeros trabajos relevantes fueron sus spin paintings (pinturas girantes), una superficie circular en la que la pintura se esparce al girar y sus spot paintings (pinturas de puntos), grandes superficies con puntos coloreados.

Sus temas principales son la muerte, la fragilidad de la existencia y la medicina, que considera “la nueva religión para muchas personas”.

Su fuerte carácter, a veces aumentado por el consumo de alcohol y drogas, se ve reflejado en sus obras, siempre polémicas, siempre trasgresoras. Entre ellas destacan las series “Medicine Cabinets” y “Natural History”, vitrinas con medicamentos y animales disecados respectivamente.

Es criticado por utilizar a otras personas para llevar a cabo sus ideas. En alguna ocasión ha confesado que sólo es el autor de cinco de sus obras.

Valor de “El Tuburón”de Damien Hirts: El valor de la Idea y el Mensaje.

El título de esta obra “La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo”, ayuda bastante a entender la idea que quería trasmitir el autor. ¿Por qué al hombre le cuesta tanto asimilar la muerte? y Hirts nos la pone delante, en un museo y es normal, que no guste, ni agrade…

Por otro lado, el tiburón muerto parece vivo y paradójicamente, cuando están vivos, son tan silenciosos, que parecen muertos. Una gran metáfora de cómo los humanos muchas veces parecemos zombis muertos y de cómo un cadáver tener apariencia de estar vivo.

Pues aquí está el valor de la obra de Hirst, en representar una idea, esta vez, un sentimiento universal, a través del simbolismo de unos objetos y de una puesta en escena, aunque sea de manera desagradable.

Tras ver estos ejemplos podemos ver que el  valor de una obra de arte no sólo está en sus proporciones, en su composición, en sus materiales o como hemos recalcado en este post en su belleza… El valor de una obra de arte muchas veces se encuentra en su “valor comunicativo” y a menudo, esta importancia sólo es válida en un determinado contexto y momento histórico.

Así que, cada vez que vayáis a un museo y sabiendo, que cada obra tendrá un porqué para estar allí, juzgad por vosotros mismos. Y juzgad sin olvidar la importancia que tiene la fuente de Duchamp: no tenéis que venerar el arte porque alguien os diga que eso es arte.

Ahora os invito a ver el documental “Es Espejo del Arte” . Una crítica a la falta de consenso sobre los valores actuales en el mercado del arte del director mexicano Pablo Jato : “Yo creo que hoy en día existe una imposibilidad terrible de crear arte que llegue al corazón o a los sentidos y como no consigue tocar el alma, entonces se dirige a la cabeza y la cabeza se lo vende al corazón”.

Y a veces.., ¡qué difícil es que la cabeza y el corazón se lleven bien!

 

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